Capriccio Forum für klassische Musik

Capriccio Forum für klassische Musik

• Dietrich Fischer-Dieskau gestorben 18.05.2012 - 14:04:50

  Am Freitag ist Dietrich Fischer-Dieskau im bayerischen Berg bei Starnberg kurz vor seinem 87. Geburtstag gestorben. Das teilte seine Frau, die Sopranistin Julia Varady mit.

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• Radio-Übertragung: Mozart, Tito aus der WSO 17.05.2012 - 19:07:44

  Höre gerade die Übertragung aus Wien.
  
  http://oe1.orf.at/konsole?show=live
  
  LG

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• Wolfgang Amadeus Mozart: Klavierkonzert Nr. 19 F-Dur KV 459 "... 16.05.2012 - 20:56:50

  In Frankfurt beginnt am Tag dieser Threaderöffnung mit einem Vortreffen ein Capriccio Treffen, zur Feier und als kleiner Gruß spielt immerhin Wolfgang Amadeus Mozart in Frankfurt auf, Zeitreise ins Jahr 1790...
  
  Musik die aufzuheitern vermag, die tröstet, die sogar heilend wirken kann – viele Freunde der klassischen Musik werden da nicht zuletzt Wolfgang Amadeus Mozarts Klavierkonzerte nennen, in ihrer Gattung wie in ihrer Vielfalt und Einmaligkeit erstaunliche, besonders herausragende Schöpfungen der ganz großen Musikgeschichte. Hier ist ein weiteres dieser Konzerte.
  
  Mozart komponierte das Konzert für Klavier und Orchester Nr. 19 F-Dur KV 459 im Dezember 1784. Gelegentlich wird es „2. Krönungskonzert“ genannt, weil Mozart es zusammen mit dem Konzert KV 537 1790 zur Krönung Leopolds II. in Frankfurt gespielt haben soll. Es hat wieder drei Sätze, Allegro – Allegretto – Allegro assai. Für den ersten und für den dritten Satz liegen Originalkadenzen von Mozart vor. Nicht nur die Tempobezeichnung des zweiten Satzes überrascht, das ganze Konzert erfreut (hat man zuvor etwa KV 449, KV 450, KV 451, KV 453 und KV 456 gehört und damit „Mozarts inspirativen Klavierkonzertweg“ fasziniert nachhörend mitverfolgt) mit seinem heiter-schwebend-gelösten Charakter. In der Durchführung des ersten Satzes nimmt Mozart (man beachte die Klavier-Triolen) den Mittelteil des zweiten Satzes aus KV 466 vorweg. Der zweite Satz steht in C-Dur und besticht einmal mehr (wie die anderen Sätze auch) mit Mozarts einfallsreichem Einsatz der Holzbläser. Selbst der Moll-Mittelteil bleibt hier freundlich-sanft. Und im Rondo-Finale geht im Orchester fugatorisch die Post ab fast wie in der Jupiter-Symphonie, für ein Klavierkonzert verblüffende Ereignisse sind das. Dieses spritzig-gelöste Konzert versprüht Freude an Musik schlechthin, und es ist (für mich) kaum vorstellbar, dass Interpreten hier nicht einfach nur ihrer Spielfreude freien Lauf lassen.
  
  Persönliche Höreindrücke:
  
  
  
  (Einzelveröffentlichung und Box)
  
  Da ich derzeit die entsprechende DGG-Box (DGG 00289 477 5214) durchhöre, „entdecke“ ich das Konzert wie einige andere mit Hilfe von Rudolf Serkin, Claudio Abbado und dem London Symphony Orchestra neu. Die Aufnahme entstand zusammen mit KV 503 in der Kingsway Hall in London im März 1983. Wie in seinen anderen Mozart-Konzertaufnahmen der 80er Jahre auch pflegt Serkin kein perlendes, sondern ein „individuell holperndes Laufidiom“, was sein Klavierspiel sympathisch eigenwillig und pointiert macht, ohne sich auf Kosten der Musik profilieren zu wollen. Das bewährt sich bei diesem Konzert besonders. Serkins selbstbewusst-pointierter Ansatz gibt der Musik Farbe, und die Mozart-Kadenzen zu den Sätzen 1 und 3 wirken besonders frisch bei ihm. Die Aufnahme ist von heiterer Spiellust geprägt, musikantisch sehr fein. Hier stören nicht einmal die eher farblosen Londoner Streicher, sie werden von den bunt aufspielenden Holzbläsern farbig „zugemalt“.
  
  
  
  Gar nicht anders als spritzig-gelöst werfen sich auch Maurizio Pollini, Karl Böhm und die Wiener Philharmoniker (CD DGG 00289 477 9376) ins Werk, die Aufnahme entstand im April 1976 zusammen mit KV 488 im Wiener Musikverein. Die Streicher erklingen ungleich vollblütiger als die Londoner Streicher, die Holzbläser sind von der Tontechnik her eher eingebettet in den Gesamtklang. (In Serkins Aufnahme hört man sie exponierter.) Pollini spielt glatter und runder als Serkin, insofern wird die Musik vielfach eingeebnet, gleitet sie mehr dahin. Mir persönlich sagt Serkins pointiertere Interpretation mehr zu. Pollini „funktioniert und erfüllt die Erwartungen“, Serkin „pointiert und lächelt dabei“.
  
  Korrekturen, genauere Analysen, Interpretationsvergleiche, Aufnahmen auf CD, los geht´s in F-Dur, alle breve, aber vorher für alle die beim Treffen dabei sind harmonische, heiter-gelöste Stunden, durchaus im Sinne von KV 459...

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• "Wir sind die Urheber" vs "Anonymous" 16.05.2012 - 19:33:28

  Die Meisten von euch werden mitbekommen haben, dass im Netz eine neue Art von Kampf tobt.
  Unlängst haben ein paar hundert Schriftsteller einen Aufruf zur Beibehaltung des Urheberrechts online publiziert: "Wir sind die Urheber". Einige Tage später wurden die privaten Adress- und Geburts-Daten dieser Schriftsteller von der Gruppe "Anonymous" gehackt und veröffentlicht (in Kombination mit der Drohung, weitere Daten öffentlich zu machen, sollten die Schriftsteller nicht damit aufhören, auf ihr Recht zu beharren). Das ist ein Vorgang, wie es ihn in der Weise im Netz noch nicht gegeben hat. Schriftsteller, die sich nichts zu Schulden haben kommen lassen, werden von einem Hacker-Mob an den Internet-Pranger gestellt.
  
  Ich persönlich habe "Wir sind die Urheber" nicht unterzeichnet, weil ich die Position vertrete, dass das Urheberrecht grundlegend reformiert werden muss, auch hatte ich bislang gewisse Sympathien für die "Anonymous"-Bewegung, aber bei dieser Art von protofaschistischem Handlungen hört der Spaß auf. Denn was kommt als nächstes? "Anonymous" verbrennt virtuell Bücher, die ihnen nicht in den Kram passen? Und dann real?
  
  Was meint ihr zu dem Geschehen?

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• Was lernen wir aus der Oper? 16.05.2012 - 00:00:50

  Hallo!
  
  Gerade las ich in einem Beitrag, dass die Handlung einer bestimmten Oper auch heute noch sehr aktuell ist. Und auch Regisseure meinen immer wieder, dass sie versuchen den Leuten die Aussage, die Charakere etc. eines Stücks zugänglich zu machen.
  
  Nun soll es aber nicht darum gehen, ob "moderne" Inszenierungen uns eher daran behindern, oder ob uns Regisseure nur IHRE Sicht der Dinge "aufzwingen".
  
  Mich würde mal ganz ernsthaft, ohne Ironie interessieren: gehen wir heute in erster Linie in die Oper, um schöne Musik und möglichst perfekten Gesang zu hören, und folgen der Handlung so gut wie gar nicht? Denken wir hinterher darüber nach, was wir gesehen haben, denken wir über die Charaktere nach und versuchen uns in sie einzufühlen, ihre Handlungen und Worte nachzuvollziehen, wie man es auch in einem Film oder einem Buch machen würde?
  Wird ein Stück interessanter, wenn die Problematik darin zeitlos ist?
  
  Und das bringt mich zur Hauptfrage: können wir aus der Oper etwas fürs Leben lernen, das auch hilfreich ist?
  
  (Mit Oper meine ich die Werke, so, wie sie in der Partitur stehen. Es soll nicht um bestimmte Inszenierungen gehen!)
  
  Mich würde interessieren, wie ihr das seht, und natürlich soll es nicht um eine bestimmte Oper hier gehen; jeder kann über die Opern reden die ihm gefallen, die ihn interessieren.
  
  Liebe Grüße,
  
  merkatz

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• Warum Dirigenten die Qualität der Darbietungen beeinflussen. 15.05.2012 - 18:32:10

  http://www.wienerzeitung.at/nachrichten/kultur/klassik/457806_Perfekter-Klang-durch-Gesten-und-Blicke.html
  Die Studienautoren glauben überdies, dass die Führungseigenschaften
  eines Dirigenten maßgeblich die musische Leistung der Spieler
  beeinflusst. Je stärker die Persönlichkeit, umso qualitätsvoller ist das
  Ergebnis - vor allem bei gleichzeitiger Eindämmung der Kommunikation
  zwischen den Musikern.
  
  Besomders diesen beiden letzten Sätzen kann ich nur zustimmen. -
  Ich denke, in den Profi-Ensembles dürfte es nicht anders sein.
  Was meint ihr dazu?
  
  

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• Händel: "Xerxes" - Komische Oper Berlin am 13.05.2012 15.05.2012 - 09:46:33

  Was für ungewohnte Verhältnisse: Den lautesten Szenenapplaus erhält das Bühnenbild, den mächtigsten Beifall - im Rahmen von Ovationen, die letztlich allen Beteiligten gelten - kassiert der Regisseur: Stefan Herheim, dem ehemaligen Marionettenspieler und derzeit vielleicht bildmächtigsten Bühnenzauberer auf der Opernbühne gilt diese Huldigung eines Publikums, das sich auf seine bei aller scheinbaren Einfachheit hochkomplexe Mischung von Affekt und Klamauk, von Illusion und Demaskierung, von dramatischer Pose und Backstage-Zickerei, von Barock und Brecht von Retro-Barock á la Ponelle und Fluch der Karibik und, und, und....nur zu gerne einlässt.
  
  Ein Wunder schon die vollgestellte Bühne von Heike Scheele: Sie zeigt uns ein scheinbar original nachgebautes (Londoner?) Theater aus der Entstehungszeit des Stückes mit Vorhängen, bunten, illusionistischen Prospekten und manch staunenswertem Bühnenzauber. Aber wenn die Bühne sich dreht, sehen wir auch die Bühnenrückseite, die Bretterkonstruktion, die Kostümfigurinen, die Requisitenschränke. Immer wieder laufen die als Bauern u.ä. des 18. Jahrhunderts kostümierten Bühnenarbeiter durch das Bild, um ihrer reichlich vorhandenen Arbeit nachzugehen, und zweimal im Lauf des Stückes wird die Illusionskulisse auf offener Bühne geradezu zerfetzt: Im zweiten Teil, wenn die vom größenwahnsinnigen und liebeskranken Perserkönig Xerxes erschaffene "Schiffsbrücke" über den Hellespont vom erstbesten Sturm niedergerissen wird, muss die ganze kunstvolle Kulisse dran glauben; und zuvor im ersten Teil in einer der meistbelachten Szenen des Abends: Wenn König Xerxes aus Wut über die Zurückweisung der geliebten Romilda - sie liebt ihrerseits den Bruder des Königs - versucht, das Objekt seiner Begierde in einem Eifersuchtsanfall zu töten, dies aber nicht schafft, lässt er sich zu jeder Strophe der Arie neue tödliche Waffen reichen: Messer, Pistole, Schlange, schließlich gar eine Kanone - und die zerfetzt nicht die Geliebte, sondern die komplette Bühnenrückwand. Anschließend holt er noch mit einer Armbrust eine kaputte Amor-Puppe vom Schnürboden. In dieser zerstörten Szenerie singt die verzweifelte Romilda dann ihre Arie von der Eifersucht - der Klamauk kippt ins Pathetisch-Tragische - und Vorhang, Pause....einer der stärksten Momente der Aufführung.
  
  Ähnlich stark der Schluss nach mehr als drei Stunden; das Ensemble kauert sich in einer Ecke der jetzt von hinten, quasi "nackt"gezeigten Bühnenkonstruktion zusammen und Romilda beginnt mit einem einfach und pastoral gehaltenem Schlusslied, das von Ruhe und Glück erzählt und schließlich von dem in Alltagskleidung auf die Bühne strömenden Chor übernommen und frontal ins Publikum gesungen wird. Im einsetzenden Schlussbeifall schrecken die Darsteller auf, scheinen wie aus Trance zu erwachen und flüchten erstmal von der Bühne - das Spiel im Spiel hat sie so gefangengenommen. Klarer und einfacher lässt sich die Macht des Theaters (aber auch seine Grenzen) nicht darstellen. Wunderbar!
  
  Worum geht es eigentlich in diesem Barock-Musical von 1738? Das Stück ist gänzlich monothematisch: Wer mit wem, wer mit wem nicht und warum nicht usw.. Im Mittelpunkt steht der verliebte Perserkönig Xerxes, der seinem Bruder Arsamenes die Braut ausspannen will, sich dabei aber herzlich dämlich anstellt und schließlich wieder in die Arme seiner Ex-Geliebten Amastris fällt, die ihre Racheschwüre umgehend vergisst. DAs Ganze ist gewürzt mit allerlei abstrusen und meist misslingenden Intrigen, mit Missverständnissen, echten und falschen Briefen, Verbannungs- und Todesurteilen und damit mit viel Klamauk und einem gehörigen Schuss Travestie, wie die barocke Oper das liebte: Frauen singen Männerrollen, andere verkleiden sich als Männer und umgekehrt, und das Publikum jubelt, wenn der rein komödiantisch angelegte Diener Elviro sich als Blumenverkäuferin verkleidet und der Darsteller Hagen Matzeit bruchlos vom Bariton in den Counter wechselt und zurück - eine ganz besondere Variante gesanglicher Virtuosität.
  
  Über diese und außerdem über immense Spielfreude verfügt sowieso das ganze Ensemble: Stella Doufexis hat ihren sängerisch überzeugendsten Moment gleich zu Beginn in der berühmten Huldigung für eine Platane ("ombra mai fu" - sie darf das italienisch singen). Im übrigen gibt sie den dämlichen König als reine Buffofigur, stolziert durch die Prospekte wie weiland Jonny Depp durch die Karibik, weshalb es letztlich kaum ins Gewicht fällt, dass ihr sehr schlanker, heller Mezzo so gar nichts Maskulines an sich hat und die Rolle überhaupt nichts Gefährliches oder Bedrohliches ausstrahlt. Katarina Bradic als verflossene Geliebte Amastris hat da erheblich mehr stimmliche Pfründe zu bieten. Für die ernsten Töne ist vor allem Karolina Gumos als Königsbruder Arsamenes zuständig und bringt klangvoll eine gehörige Portion Leidenschaft und Pathos in die Aufführung ein. Die Rolle der "bösen" und im Grunde unfähigen Intrigantin Atalanta ist mit Julia Giebel zwar stimmlich richtig, aber doch allzu einfarbig-soubrettig ausgefallen, so dass ihre Schwester Romilda nicht nur im Stück sondern auch als Darstellerin überlegene Siegerin bleibt: Brigitte Geller beherrscht das ständige Changieren zwischen Klamauk und Pathos von allen am besten, verfügt über unnachahmliche Bühnenpräsenz und einen hochvirtuos eingesetzten, in der Höhe scheinbar unbegrenzt strahlenden Sopran, der sowohl in der verzweifelten Eifersucht wie auch in der pastoralen Schlichtheit des letzten Liedes im Finale stark berührt. Dimitry Ivashchenko schließlich steuert die profunden Basstöne bei und stolziert als Feldherr herum, der geradewegs einem Asterix-Comic entsprungen scheint.
  
  Das Ganze wird musikalisch prächtig angefeuert vom Barock-Spezialisten Konrad Jumghänel am Pult des hochmotivierten, aus modernen und originalen Instrumenten gemischten Orchesters. Ein schwungvoller, tänzerisch agiler, dynamischer Händel ist das, wegen des weitgehenden Fehlens großer Da-Capo-Arien etwas kurzatmiger als bei Händel gewohnt, aber in der flexiblen Struktur von rezitativischen und ariosen Passagen erstaunlich "modern" und schon auf das klassische Musiktheater Mozarts vorausweisend.
  
  Einigen Kritikern ist das Ganze zu klamaukig, vermeintlich zu oberflächlich ausgefallen. Vielleicht nimmt man dem Puppenspieler Herheim übel, dass er nicht mit jeder Inszenierung quasi das Rad neu erfindet und den Figuren den "psychologischen" Tiefgang versagt. Ganz abgesehen von der Frage, ob das musical- oder comicartige Gefüge dieses Stück überhaupt für eine solcherart als "seriös" empfundene Lesart taugt: Das Publikum hat sich daran nicht gestört und sich mit Begeisterung auf das fröhliche Spiel ums Theater eingelassen. Jede/r, der dazu bereit ist, wird seine helle Freude an dieser Produktion haben!
  
  Wieder am 17., 19., 27. Mai sowie 15., 21. und 27. Juni und 5. Juli; dann wieder im Oktober und November. am 23. und 24. Mai gastiert die Produktion beim Bergen-FEstival und ist ab Januar 2013 als Koproduktion in Düsseldorf zu sehen.

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• Die Klarinette 14.05.2012 - 18:12:55

  Das Zitat kommt aus dem Oboen-Thread, und ich wollte meine Antwort auch dort schreiben, habe mir aber gedacht, ich eröffne einen neuen, wo es speziell um die Klarinette gehen soll.
  
  Um ihre Geschichte, um unterschiedliche Bauweisen, um Spieltechniken, um als interessierter Laie (wie ich einer bin) Klarinettisten Fragen stellen zu können etc. etc.
  
  

  Zitat von »Melione«

  Ja, so ist es. Auf einem Kompositionsworkshop vor einem Jahr habe ich den Klarinettisten, der B und A dabei hatte, mal gebeten, mir denselben Ton auf beiden Klarinetten vorzuspielen - für mich klangen sie identisch. Er meinte dann auch, dass der Unterschied früher viel größer gewesen sei, aber dass die Instrumente heute einfach so professionell hergestellt werden, das wirklich nur noch aufgrund von Vorzeichen geschaut wird, welche Klarinette wo genommen wird.

  
  Das würd mich aber auch sehr interessieren, ob der Unterschied früher, also vor 100 Jahren und davor, deutlicher war!
  
  Der tolle Vienna Symphonic Library Instrumentenkunde-Bereich schreibt den unterschiedlichen Klarinetten diese Klangeigenschaften zu:
  
  B-Klarinette: leuchtend, glanzvoll, füllig, durchsichtig
  A-Klarinette: im Vergleich zur B-Klarinette zurückhaltender und sanfter
  C-Klarinette: Heller, kälter und härter, „frecher“ als die anderen beiden Klarinetten. Im Orchester wurde sie eingesetzt, um ländliche Stimmungen zu beschwören. (heute selten eingesetzt, z.B. im „Hexensabbat“ in Hector Berlioz’ Symphonie fantastique)
  
  Vielleicht stimmt das auch:
  
  Ich habe mir zwei meiner Partituren (Hänsel und Gretel, Der Freischütz) angesehen, um zu sehen, wie die jeweilgen Komponisten diese beiden Klarinetten einsetzen, und daraus vielleicht Schlüsse zu ziehen über den Klang der Instrumente in früherer Zeit. Beide Opern wurden im gleichen Jahrhundert geschrieben. Humperdinck verwendet hauptsächlich die B-Klarinette, allerdings wechselt er manchmal zur A; auffälligerweise meistens dann, wenn die Musik ruhiger und "besinnlicher" wird, wie z.B. beim Auftrittslied des Sandmännchens, wo gedämpfte tremolierende Streicher und eine Harfe eine sehr intime Stimmung erzeugen.
  
  Im Freischütz verwendet Weber fast nur "2 Clarinetti in B" bis auf vier Nummern:
  
  "Schweig, damit dich niemand warnt" - hier fällt auf, dass der Komponist die A-Klarinette meistens nur an den leisen Stellen einsetzt (besonders an der Stelle "Umgebt ihn ihr Geister, wo sie in der tiefen Lage dunkel und bedrohlich immer wieder anschwellen), während die lauten Stellen meistens von den Hörnern und Streichern übernommen werden.
  
  "Schelm halt fest" - Eine ruhige, "leise" Nummer, hauptsächlich von den Streichern getragen, während die A-Klarinetten selten spielen, meistens lang anhaltende pianissimo-Liegetöne, oder im Unisono mit Ännchens Gesang. Als das beim Scherzando plötzlich im mezzoforte weitergeht, pausiert sie viele Takte lang, und macht erst wieder mit, wenn es ruhiger wird.
  
  "Agathenarie" - Zwei Clarinetti in A (und zwei Fagotte) eröffnen die berühmte Agathenarie im pianissimo.
  
  Wolfsschluchtszene - Auch hier meistens bei den ruhigeren Stellen eingesetzt, selten im fortissimo tätig. (vielleicht klangen A-Klarinetten im fortissimo expressiver, durchdringender?)
  
  Es sieht also so aus, als hätten die unterschiedlichen Klarinetten früher tatsächlich anders geklungen. Weil dass die A-Klarinette so auffällig an ruhigeren, leiseren, besinnlicheren, wärmeren Stellen eingesetzt wird kann kein Zufall sein, meine ich.

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• Verdi: "I due Foscari", Deutsche Oper Berlin, 11.5.2012 12.05.2012 - 09:14:12

  Hallo Freunde,
  
  Die DOB hat mit Verdis "I due Foscari" imo einen Volltreffer gelandet.
  
  Leider wurde das Werk nur zweimal gegeben...
  
  Die gestrige Aufführung war somit die letzte...
  
  Es war der Abend LEO NUCCIs in der Partie des Francesco Foscari. Was er gesanglich brachte, war fantastisch (mit 70 Jahren!!), was durch den Applaus bestätigt wurde.
  
  Ein restloses Verschmelzen von Gesang und Interpretation.
  
  Als sein verstossener Sohn war RAMÓN VARGAS (und Gott sei Dank nicht Calleja) zu erleben. Auch bei ihm war´s einfach perfekt. Die schwierige Tessitura meisterte er bravourös.
  
  ANGELA MEADE als Lucrezia brachte (bis auf "minimale Wackler" in der Höhe) ihr schönes Material mit Gewinn in´s Spiel. Auch sie wurde entsprechend gefeiert.
  
  TOBIAS KEHRER gab dem "Fiesling" Loredano Gewicht in Stimme und Ausdruck.
  
  Die kleineren Partien waren mit THOMAS BLONDELLE (Barbarigo), KATHRYN LEWAK (Pisana), MATTHEW PENA (Fante) rollendeckend besetzt.
  
  Der Chor unter WILLIAM SPAULDING war ebenso hervorragend.
  
  Das Dirigat von ROBERTO RIZZI BRIGNOLI ließ keine Wünsche offen, dem Orchester war das Engament anzusehen und vor allem zu hören.
  
  Ein Abend, der bewies, dass der frühe Verdi endlich aus der Schublade geholt werden sollte. RUNDUM FANTASTISCH!!!!
  
  LG, Bassbariton

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• A HOUSE FULL OF MUSIC - John Cage wird 100 - Mathildenhöhe Da... 11.05.2012 - 22:58:02

  Für alle Interessierte ein paar links:
  
  http://www.darmstadtnews.de/2011/05/03/a…usik-und-kunst/
  
  
  
  http://www.echo-online.de/freizeit/kunst…;art598,2867223
  
  
  
  http://www.ratgeberzentrale.de/rubriken/…-in-orange.html
  
  Am 18.05.12 - 20.05.2012 finden in Darmstadt auch die "Darmstädter Jugendstiltage" statt..
  
  
  Im Juli gibt es auch einen Jazz-Workshop mit interessanten Musikern, sowie einen internationaler Ferienkurs für Neue Musik:
  
  http://www.mathildenhoehe.info/www/rahmenprogramm_juli.html
  
  
  
  LG Lotte

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