Capriccio Forum für klassische Musik

Capriccio Forum für klassische Musik

• Beethoven für alle 27.01.2012 - 19:19:09

  http://www.beethoven-fuer-alle.de

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• Arthur Rubinstein - edle Einfalt und stille Größe 27.01.2012 - 12:04:35

  

  
  
  Ehe ich zur Sache komme, eine Anmerkung zum Threadtitel: Das Zitat Joachim Winkelmanns, mit dem dieser sein Kunstideal auf eine knappe Formel brachte, scheint mir gut geeignet, um die Kunst Arthur Rubinsteins zu charakterisieren.Einfalt ist hier nicht despektierlich gemeint.
  
  Vor einigen Wochen ist eine Box mit Aufnahmen Arthur Rubinsteins erschienen, The complete Album Collection. Die Box umfasst sämtliche Aufnahmen, die Arthur Rubinstein zwischen 1928 und 1975 bei HMV und RCA gemacht hat. Enthalten sind in der Kassette 142 CD´s und zwei DVD´s, dazu ein opulent aufgemachtes Buch mit einem alphabetischen und chronologischen Register. Das Erscheinen dieser Edition ist eine gute Gelegenheit, diesem außerordentlichen Pianisten auch hier bei Capriccio einen Thread zu widmen.
  
  

  

  
  
  Ich habe diese Box erworben, allerdings hat mir bisher die Zeit gefehlt, mich intensiv mit ihr zu beschäftigen
  
  Eine biographische Skizze spare ich mir an dieser Stelle, Biographische Details sind ohne Schwierigkeiten im Netz zu finden, Stichwort "Wikipedia". Aber es gibt auch eine Fülle anderer Internetseiten, die Informationen über den Pianisten bietet.
  
  Kennengelernt habe ich Arthur Rubinstein durch das Portät des Künstlers, welches Joachim Kaiser in seinem Buch "Große Pianisten unserer Zeit" gezeichnet hat. Fasziniert hat mich an Rubinstein immer, wie lange er sich seine künstlerische Kreativität erhalten konnte. Rubinstein konzertierte ja bis weit ins hohe Alter, bis in seine Augen im Stich ließen.
  
  Arthur Rubinsteins Name ist eng mit den Werken Frederik Chopins verbunden. Viele der Werke des Komponisten hat Rubinstein zwei, oder sogart dreimal aufgenommen, wie die Mazurken beispielsweise. Die einzige Ausnahme in dieser Reihe bilden die Etüden, von denen Rubinstein in Konzerten immer wieder einzelne Etüden spielte. Man mit Sicherheit sagen, dass Chopins Musik eines der Zentren des Schaffens Arthur Rubinsteins bildete. Doch ist das Repertoire des Pianisten um ein vielfaches größer. Was ein Blick in das Inhaltsverzeichnis der neuen Edition nur zu deutlich macht.
  
  
  
  
  Christian

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• Rita Gorr – Gesangskultur auf höchstem Niveau 27.01.2012 - 08:41:43

  Am 22. Januar verstarb die belgische Mezzosopranistin Rita Gorr (eigentlich Marguerite Geirnaert) im Alter von 85 Jahren in Benidorm in ihrer Wahlheimat Spanien. Leider blieb dies weitgehend unkommentiert, was ich gerne etwas korrigieren möchte, obwohl sie auch in meiner Wahrnehmung nie ganz in die erste Reihe ihres Faches vorstieß, was ich im Nachhinein als ziemlich ungerecht empfinde.
  
  Wie wohl viele, hörte ich sie zuerst als Amneris in Georg Soltis Aufnahme der AIDA von 1962 mit Leontyne Price und Jon Vickers.
  
  
  
  Obwohl sie auch eine hervorragende Azucena und Ulrica sang, hatte sie ihre eigentlichen Erfolge aber im deutschen und vor allem französischen Fach. Viele schätzen sie als Fricka in dem RING von Hans Knappertsbusch und in Erich Leinsdorfs Einspielung von DIE WALKÜRE
  
  

  
  

  
  und besonders als Ortrud in Erich Leinsdorfs Aufnahme des LOHENGRIN mit Sandor Konya und Lucine Amara, aber auch dem Mitschnitt der bayreuther Aufführung unter Lovro von Matacic mit Elisabeth Grümmer als Elsa.
  
  

  

  
  Für mich wird sie jedoch vor allem mit ihren Leistungen in dem ihr angeborenen Idiom verbunden bleiben. Sie war eine großartige Dalila in George Prêtres Gesamtaufnahme von Saint-Saens' SAMSON ET DALILA mit Jon Vickers, und wenn die Oper nicht ohnehin zu den verkannten großen Werken des ausgehenden 19. Jahrhunderts zählen würde, wäre allein ihre Leistung ihre Leistung wäre es wert, André Cluytens' Aufnahme von Edouard Lalos LE ROI D’YS zu kennen:
  
  
  
  Aber auch ihre Einspielungen des WERTHER, der LOUISE und einiger weitgehend unbekannter Werke wie Albert Roussels PADMAVATI verdienen es, mindestens einmal erwähnt zu werden. Als Resultat einer noch vor kurzer Zeit kaum zu vermutenden Neubewertung einer Oper ersten Ranges werden die meisten ihre Stimme heute vielleicht von ihren beiden Aufnahmen von Poulencs DIALOGUES DE CARMELITES kennen, in denen sie, für Pierre Dervaux, die Mutter Maria und zuletzt für Kent Nagano die alte Priorin sang:
  
  

  
  

  
  Ihre letzten Bühnenauftritte hatte sie noch im Jahr 2006, im hohen Alter von 80 Jahren, als alte Gräfin in Tschaikowskis PIQUE DAME an der Oper von Ghent.
  
  Meine letzte Begegnung mit ihr, leider auch keine persönliche kam in einer wunderschönen Huldigung an die Kunst der Sängerinnen, Werner Schroeters Film POUSSIÉRES D’AMOUR, den wir als einen unserer letzten im Jahr 1996 herausbrachten.
  
  

  
  

  
  R.I.P.
  
  Rideamus

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• "Haben Sie sich je diese Gesichter angeschaut..." 26.01.2012 - 14:18:35

  Hallo!
  Ich war vorher im Vorstellungsthread, wo ein Zitat gebracht wurde, von einem Don, oder so, nämlich dieses:
  

  Zitat

  
  Die ungewöhnliche Anfangszeit um 19 Uhr erklärte sich nach einem kurzen Blick ins Publikum - Frl. Wang ist offenbar die aktuelle Abgöttin der elf- bis dreizehnjährigen Klavierschülerinnen, die zahlreich giggelnd anwesend waren. Solcherlei niedliches Gewese gehört rechtzeitig ins Bett, wenn anderntags Schule ist, und darauf hatte sich die marketingschlaue dortmunder Konzerthausdirektion offenbar mit einer kommoden Anfangszeit eingestellt.

  
  
  Ich kann seinen Ärger durchaus verstehen, wobei ich eigentlich nicht nur mit Kindern schlechte Erfahrungen im Opernhaus oder im Konzertsaal gemacht habe. Auch die meisten Frauen, die sich fein herrichten, zu Tode parfümieren, und die älteren Herren in ihren Anzügen, die alle 10 Sekunden lautstark in leise Passagen hineinhusten, finde ich furchtbar!
  In diesem Zusammenhang fällt mir nun ein Zitat ein, das von Claude Debussy (unter dem Pseudonym Monsieur Croche) stammt:
  
  
  
  "Haben Sie schon einmal die Feindseligkeit des Publikums im Konzertsaal bemerkt? Haben Sie sich je diese Gesichter angeschaut, grau vor Langeweile, Gleichgültigkeit, ja Stumpfsinn? Niemals werden sie jene reinen Dramen miterleben, die sich im symphonischen Konflikt abspielen, wo man die Möglichkeit erahnt, zum Gipfel des Klanggebäudes emporzusteigen und dort die Luft der vollkommenen Schönheit zu atmen. Diese Leute, mein Herr, wirken immer wie mehr oder weniger gut erzogene Gäste: Sie erfüllen geduldig ihre langweilige Pflicht und harren nur deshalb aus, weil sie am Ausgang gesehen werden wollen; warum wären sie sonst gekommen?"
  
  
  Nun ist Debussy sicher keiner, dem man vorwerfen kann, ein „alter Grantler“ zu sein, dessen Meinung eh nicht ernst zu nehmen ist.
  Wie denkt ihr über diese Aussage? Stören euch die Leute, die nur hingehen, weil sie aus einer versnobten Ansicht heraus meinen, die Oper oder Konzerte seien was für „bessere Leute“, sich dabei aber gar nicht für das Werk interessieren, sich keine Noten ansehen, keine Aufnahme zu Hause stehen haben, gar nichts über den Komponisten wissen etc.? Oder denkt ihr eher, dass es egal ist, ob man diese "Dramen" miterlebt, von denen Debussy spricht, hauptsache, man hat mal nicht Lady Gaga gehört?
  
  Ich glaube, man darf auch nicht vergessen, dass die Oper zu ihren Anfangszeiten nicht so war, wie man es heute kennt. Damals brachten die Leute Essen mit, unterhielten sich, nur bei den großen Arien war es ruhiger. (Das erklärt ja auch, wieso die früheren Opernouvertüren oft mit einem lauten Tusch begannen ) Wenn es einem nicht mehr gefiel, ging man einfach in die nächste Vorstellung und sah, was dort gespielt wurde. Das hat sich offenbar immer mehr geändert …

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• Simon O'Neill - Ein heller Silberstreif am Tenorhimmel ? 26.01.2012 - 00:53:47

  Mich hier hat dies Video gerade besonders ergriffen. Zuvor noch nie von ihm gehört...
  
  "http://www.youtube.com/watch?v=9wim0Fx0J4U"
  
  Ein Tenor der kraftvoll singt und doch nicht knödelt - Wer interptretiert die Arie wirklich besser und warum ?

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• STRAUSS: DIE SCHWEIGSAME FRAU - Big Ben in Bayern 25.01.2012 - 15:44:09

  Bekanntlich gehöre ich nicht zu denjenigen, die bei Richard Strauss nur "kreischende Schweinshaxen" hören. Deshalb wiederhole ich auf die Gefahr hin, es gerade in diesen Tagen der heftigen Werbung für modernere Komponisten einmal zu oft zu tun: ich halte DIE SCHWEIGSAME FRAU für ein unterschätztes Meisterwerk, dessen verdiente Rehabilitation zwar, wenn auch mit Unterbrechungen, anscheinend in Gang gekommen ist, dessen angemessene Würdigung aber immer noch aussteht. Deshalb glaubte ich auch meinen Augen nicht trauen zu können, als ich von einem einstigen Strauss-Geringschätzer diesen Satz zu lesen bekam:
  

  Zitat von »’Edwin’«

  ...in der "Schweigsamen Frau" (die sich immer mehr zu einem meiner Lieblinge mausert) gibt's manch "organisierten Lärm"

  Aber es stimmt. In dem Thread über die SALOME ist der Satz tatsächlich zu lesen. Was für ein hervorragender Anlass, einmal einen Thread und vielleicht einen Dialog über diese verkannte und deshalb viel zu unbekannte Oper zu eröffnen, in der Strauss mehr als in jedem anderen seiner Werke seine Kunst der Ensemblegestaltung zur Geltung brachte.
  
  Die relativ geringere Prominenz der Oper gegenüber, ihrer Vorgängerin ARABELLA, der sie meines Erachtens in nichts nachsteht, hat sicher damit zu tun, dass die Uraufführung von 1935 nur dreimal wiederholt werden durfte und weitere Aufführungen der Oper danach für "tausend Jahre" faktisch verboten blieben, weil Strauss auf der Nennung des Juden Stefan Zweig als Librettisten bestand. Eine noch gewichtigere Rolle spielt wohl auch, dass Strauss einerseits von dem großartigen Libretto von Stefan Zweig außerordentlich inspiriert wurde, leider aber auch hörbare Durchhänger in seiner Inspiration hatte. Das gilt nicht für die herrliche Ouvertüre, ein für Strauss völlig untypisches Potpourri, dessen erste Töne wohl nicht von ungefähr an die vertrauten Klänge des Big Ben erinnern, wobei man sowohl an London als auch an Ben Johnson denken darf. Danach aber gibt es ausgerechnet im ersten Akt einigen Leerlauf, der das Vergnügen an dieser großartigen Komödie immer wieder trübt und manchen sogar gleich ganz die Lust daran raubt, bevor es überhaupt richtig los geht. Dennoch gehört das Werk für mich dank seiner zahlreichen folgenden Höhepunkte zu den immer wieder überraschenden und schon deshalb erfreulichsten Werken des 20. Jahrhunderts.
  
  Ganz am Anfang dieser Oper stand, wie bei so vielen klassischen Komödienstoffen, ein antiker Autor, in diesem Fall der Exilgrieche Libanius (314-394), der in einer Episode seiner "Oratien" die Geschichte eines Geizhalses erzählte, der seinen Neffen zu enterben sucht. (Eine sehr interessante und detailliertere Erläuterung dieser Quelle für englischsprachige Leser findet sich hier: http://en.wikipedia.org/wiki/Epic%C5%93n…he_silent_woman.)
  Knapp 1400 Jahre später ließ sich Shakespeares Zeitgenosse und Rivale Ben Johnson von dieser Episode zu einer Komödie namens "Epicoene or The Silent Woman" inspirieren, die allerdings bei ihrer Premiere 1609 durchfiel und erst später reüssierte, als sie nicht mehr nur von Jungen und Männern gespielt, sondern mit gemischten Ensembles besetzt werden durfte. Über diverse Zwischenstadien gelangte der Stoff in die Hände von Gaetano Donizetti und seinem Co-Librettisten Giovanni Ruffini, die daraus die meisterhafte Opera buffa DON PASQUALE machten, deren Ähnlichkeit mit der Oper von Stefan Zweig und Richard Strauss also keineswegs zufällig ist. Bemerkenswert ist jedoch, wie anders Zweig mit diesem Stoff umging und ihn in eine humane Richtung weiter entwickelte, die in den drastischen um nicht zu sagen zynischen Vorgängern dieses Stoffes überhaupt nicht angelegt war.
  
  Hier der Inhalt, den die meisten hier wohl aus dem DON PASQUALE kennen, in groben Zügen:
  
  Der alte Kapitän Morosus, dessen Gehör nach einer Munitionsexplosion auf seinem Schiff dauerhaft geschädigt wurde, lebt seit Jahren allein mit seiner Haushälterin, deren unaufhörliches Geschwätz ihm jedoch schon lange auf den Geist geht. Sein Barbier rät ihm, statt dessen eine schweigsame Frau zu heiraten, aber Morosus hält das für ein nicht existentes Paradox und will nichts davon wissen. Als sein verschollen geglaubter Neffe Henry auftaucht, freut sich der Alte und erlaubt gerne, dass Henry und seine Truppe bei ihm Quartier nehmen. Die Truppe ist jedoch nicht etwa ein diszipliniertes militärisches Gebilde, wie Morosus fälschlich glaubt, sondern die für Morosus’ Ohren schlimmste aller menschlichen Zusammenballungen, eine Operntruppe, mit deren Primadonna Aminta Henry verheiratet ist. Empört wirft Morosus die „Ohrenschinder“ aus dem Haus und enterbt Henry. Statt dessen will er selbst noch für einen Erben sorgen und beauftragt den Barbier, unverzüglich eine schweigsame Frau zu finden. Der Barbier, der offensichtlich in Sevilla geboren wurde, sieht seine Zukunft aber eher bei Henry und schmiedet mit diesem ein Komplott. Man will Morosus mit einer Scheinheirat seine Illusionen rauben. Aminta und ihre Kolleginnen sollen die potenziellen Bräute mimen, wobei für Aminta die Rolle der schweigsamen Frau vorgesehen ist, die sich später zur Furie verwandeln und dem Alten das Leben zur Hölle machen soll.
  
  Geplant, getan. Schon am nächsten Tag erobert Aminta als bescheidene, schüchterne Timidia das Herz des Alten. Die verkleidete Truppe feiert zusammen mit Morosus die stille Hochzeit, die für längere Zeit der letzte ruhige Moment im Leben des alten Seebären sein wird, denn sogleich legt Aminta los und zeigt ihr kratzbürstiges, lautes Gesicht. Erst dem unvermutet wieder auftauchenden Henry gelingt es, die Furie zu beruhigen, die heimlich schon vor lauter Mitleid mit dem armen alten Mann zu vergehen droht. In den folgenden Wochen stellt Aminta das Haus auf den Kopf und übt ständig mit einem Pianisten und einem Gesangslehrer. Morosus gerät an den Rand eines Infarktes und erleidet einen Nervenzusammenbruch. Da erbarmen sich die Verschwörer und lassen ihre Masken fallen. Erleichtert darüber, nicht für den Rest des Lebens mit einer eigenen Frau geschlagen zu sein, gibt Morosus dem jungen Paar seinen Segen und erlaubt der Truppe sogar ein Abschiedsständchen nach dem Motto „Wie schön ist doch die Musik. Aber wie schön erst, wenn sie vorbei ist“.
  
  Wann immer ich diese Oper höre und ihr Libretto nachlese, bin ich begeistert davon, wie glücklich es dem als Opernlibrettisten ungeübten Stefan Zweig gelungen ist, die Musik zum eigentlichen Thema seines Stoffes zu machen und dabei alle Protagonisten der Geschichte in einem Maße zu vermenschlichen, wie man es auf der Opernbühne nur ganz selten antrifft. Bei Ben Johnson war die vermeintlich schweigsame Frau sogar ein Junge und der Sir Morosus ein höchst unsympathischer Adeliger, dem mit Recht brutal mitgespielt wird. Auch bei Donizetti spielt man dem alten Don Pasquale zum Ausgleich für dessen Hoffart höchst übel mit, und es bedarf schon eines recht festen Glaubens an die Konventionen des Lustspiels um das unverhoffte Happy End als ein solches goutieren zu können.
  
  Ganz anders bei Stefan Zweig, der ersichtlich großen Wert darauf legte, auch die emotional berührenden Aspekte im Schicksal des Sir Morosus zu berücksichtigen, dessen Lärmempfindlichkeit ja einen durchaus tragischen Hintergrund hat. Das hatte zwangsläufig zur Folge, dass auch die Protagonisten, die Morosus den eigentlich sehr bösen Streich spielen, sehr viel Mitgefühl an den Tag legen, was vor allem für die Titelheldin Aminta gilt, der es nur mit einem eminent schlechten Gewissen gelingt, sich überzeugend als tyrannische, kreischende "Timidia" auszugeben:
  
  Ach, wenn sie nur länger blieben,
  Denn, kaum sind wir allein,
  Drängt er mich mit seiner Liebe
  Und ich muss zu ihm hässlich sein.
  
  Dieser Kontrast zwischen den Konventionen der Gattung und der betonten Menschlichkeit ihrer Protagonisten durchzieht das gesamte Libretto und veranlasste Strauss, immer wieder seinen zuweilen doch recht plakativen Komponierstil zu differenzieren und den feineren Motiven seiner Protagonisten nachzuspüren. Daneben inspirierte ihn die offensichtliche Verwandtschaft mit dem DON PASQUALE zu einer Italianità, die bei ihm nur selten anzutreffen ist, aber schon in seiner "Potpourri-Ouvertüre" mit einigen musikalischen Kernmotiven überrascht und überzeugt, die er später mehrfach aufgreift und virtuos weiter entwickelt.
  
  Aber zur Musik ein andermal mehr. Hier möchte ich zunächst einmal mit einem Hinweis auf den Thread über die Inszenierung der Oper in München schließen, die dem einen oder anderen immerhin schon einige positive Eindrücke von dem Werk vermitteln konnte, zumal Diana Damrau, wiewohl hochschwanger, damals eine begeisternde Aminta gab: Strauss: Die Schweigsame Frau - Münchner Opernfestspiele, 27.7.2010
  
  Rideamus

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• Lachenmann - Accanto 25.01.2012 - 11:35:31

  In unserem fragwürdigen Strang über Musik, die ihren Ruhm angeblich nicht verdient hat, las ich soeben die Debatte über Neue Musik.
  
  http://www.capriccio-kulturforum.de/musi…verdient-haben/
  
  Ich lehne es ab, mich dort auf allgemeine Art und Weise zu positionieren. Erwähnen möchte ich aber, dass die Diskussion um Lachenmann bei mir nicht ohne Nachwirkung geblieben ist.
  
  

  Zitat von »Edwin«

  Man kann natürlich auch wesentlich preiswerter auf diesen Link klicken "http://www.youtube.com/watch?v=uH3t8h9TsFs" und sich die fetzige Stelle so ab 4'30" reinziehen. Ich wünsche reichliches Vergnügen.

  
  
  Dieser Aufforderung bin ich nachgekommen und muss sagen, dass ich ein fantastisches Stück kennengelernt habe. Ich ahnte schon nach 2 oder 3 Minuten, dass ich hier etwas zu hören bekomme, was für mich von Bedeutung sein könnte. Daher habe ich die Aufnahme gestoppt, nochmal von vorn gehört und ein sehr rasch verfasstes Hörprotokoll mitgeschrieben. Das will ich hier gern wiedergeben (die Zeitangaben sind aufgrund der Simultanmitschrift sehr ungenau... ich bitte um Verzeihung).
  
  Der Übersichtlichkeit halber betrachte ich das Werk in zwei großen Bögen:
  
  Bogen 1
  0:00
  Das Stück beginnt mit Klängen an der Grenze zur Stille. Erst langsam gewinnt es mit kurzen geräuschhaften Klängen und einzelnen Staccatotönen an Präsenz.
  3:00
  Neben der solistischen Klarinette sind hier nun erste konkrete Orchesterinstrumente zu identifizieren. Die zarte Klanglichkeit des Beginns beginnt sich sehr graduell und allmählich zu verdichten.
  4:00
  Einzelne perkussive Elemente und leise Figuraturen der Klarinette treten hinzu.
  4:50
  Durch Klangverfremdungen der Orchesterinstrumente entstehen Klänge, die an ein Rauschen erinnern.
  6:10
  In der Klarinette setzen stärker verfremdete Klangrepetitionen ein, die einen regelmäßigen Puls ergeben. Diese Repetitionen werden im Orchester aufgegriffen. Durch Neuinstrumentation des Repetitionsvorganges, dynamische Schweller und leichte Temposchwankungen entsteht streckenweise ein Eindruck, der an Minimalmusic (oder einen Phaser-artigen Verfremdungseffekt) erinnert.
  7:10
  Während das Orchester noch immer mit der Repetitionsstruktur beschäftigt ist, scheint die Klarinette ihm einen Schritt voraus zu sein und erzeugt nun glissandoartige Quietschgeräusche.
  9:10
  Nun folgt nicht - wie man vielleicht erwartet hätte - die Antwort des Orchesters auf diese neue Klanglichkeit der Klarinette, sondern eine Rückkehr der Klarinette zur Repetitionsstruktur.
  9:45
  Hier erzeugt die Klarinette nun lautere, längere, gepresste Klänge. Das Orchester antwortet mit Ausbrüchen, teilweise wird aber noch immer mit den Repetitionen weitergemacht.
  10:35
  Die Klänge werden vereinzelt und lösen sich allmählich auf. Die Klarinettensounds sind stark verfremdet, im Orchester erklingen - ähnlich wie bei 4:50 - Klänge, die an ein Rauschen erinnern.
  11:50
  Die Musik kehrt fast zur Stille zurück, die Klarinette erzeugt leise Liegeklänge.
  13:00
  Selbst diese Liegeklänge verstummen. Das Anfangsstadium ist wieder erreicht. Lange herrscht fast komplette Stille.
  
  Bogen 2
  14:30
  Mit vorsichtigen Klarinettentrillern setzt die Klanglichkeit wieder ein.
  15:20
  Das Orchester antwortet auf diese Triller mit kurzer Schwellern, vom Tonband erklingen einzelne - hier noch kaum zu identifizierende - Durakkorde aus einer bestehenden Orchesteraufnahme.
  16:00
  Die Antworten des Orchesters verdichten sich. Das gilt im Folgenden auch für das Orchesterstück. Es lässt sich nun als Mozart-Klarinettenkonzert identifizieren. Das klassische Werk wirkt im sonstigen atonalen, geräuschhaften Klangraum befremdlich und ungewohnt.
  16:15
  Gepresste Klarinettenklänge und Perkussives lassen das klassische Stück verstummen.
  16:45
  In der Klarinette erklingen einzelne trötartige Töne, das Orchester produziert Geräusche, die ein wenig an Aufwischen erinnern, es folgen weitere perkussive Klänge, Flatterzungen der Klarinette, battuto-Klänge der Streicher, gehauchte Sounds der Klarinette, metallisches Geklimper wie von Stabreihen. Die Passage lässt sich kontinuierlich als Dialog zwischen Klarinette und Orchester verstehen und ist die präsenteste Passage des Werkes. Einige Klänge sind gewöhnungsbedürftig (wie zum Beispiel ein geräuschhaftes hin-und-her-und-hin-und-her... im Orchester oder ein befremdlich ins Instrument lachender Klarinettist).
  20:00
  Die Klanglichkeit geht zurück. Flächige Rauschsounds treten hinzu. Das Orchester pausiert immer länger. Im Wesentlichen hört man einzelne Klarinettenklänge (z. B. Glissandi) und Perkussives.
  22:45
  Die Pausen in der Musik nehmen zu. Hin und wieder werden sie von fragilen Klarinettenklängen oder geräuschhaften Orchesterschwellern unterbrochen.
  24:30
  Auskomponiertes Decrescendo. Das Stück verklingt im Nichts.
  
  Ein paar Dinge seien angemerkt: Es ist dem Stück nicht angemessen, einzelne Passagen herauszugreifen, um eine wie auch immer geartete befremdliche Verzerrungsmanie Lachenmanns zu belegen. Diese Geräusche gewinnen im Gesamtzusammenhang des Stückes an Plausibilität.
  
  Das Stück ist alles, aber sicherlich kein "Krach". Die Klänge sind bis auf wenige Ausnahmen zart und zerbrechlich.
  
  Die Steigerung und das anschließende Nachgeben der Spannung in Form der zwei Bögen ist formal gesehen regelrecht traditionell.
  
  Die Rhythmik ist nicht bis zur Unkenntlichkeit fragmentisiert und auch nicht simpel. Sie ist wechselhaft. Der erste Teil besteht über weite Strecken aus einem einfachen pulsartigen Metrum, im zweiten Teil ist der Rhythmus freier gestaltet.
  
  Manchmal habe ich den Eindruck, dass hier im Forum verallgemeinernde Aussagen getroffen werden, die vielleicht (!) irgendwie (!) im Blick auf ein Gesamtwerk (!) halbwegs zutreffen mögen, beim konkreten Hören eines Einzelstückes aber weitgehend irrelevant sind. Zumindest, wenn man sich auf ein Einzelstück bezieht - oder man es als Exempel heranzieht - sollte man es aber vielleicht dann doch einmal mit offenen Ohren gehört haben.
  
  Ich finde das Werk sehr gelungen und seine zarte Klangfärbung hat mich angerührt. Ich fand es auch überraschend, wie seltsam eine Aufnahme einer traditionellen Musik (Mozarts Klarinettenkonzert) klingt, wenn man sie in eine Lachenmann-Umgebung stellt. Bisher gehen wir doch immer vom Gegenteil aus: "Im Vergleich zur Klassik ist dies und jenes missklingendes Eulengepinkel, etc." Hier wird einmal andersherum verfahren: "Im Vergleich zu Lachenmann ist Mozarts Klarinettenkonzert ... nunja, nicht gerade missklingendes Eulengepinkel, aber doch auf ähnliche Weise irritierend."
  
  Tolles, wertvolles Stück, wie ich das sehe. Zum Abschluss noch ein kleiner Rezeptionsbericht, den ich im Netz gefunden habe:
  
  

  Zitat von »Max Nyffeler interviewt Eduard Brunner«

  Accanto stellt eine radikale Neulekture von Mozarts Klarinettenkonzert dar, und manchmal wird das Original ja auch von Tonband kurz eingeblendet. Wie ist das beim Publikum angekommen?
  
  Bei der Uraufführung 1976 in Saarbrücken mit Hans Zender gab es eine ungeheure Aufregung, schon bei den Proben. Das Orchester war entrüstet, es gab Weinkrämpfe und eine Dame bekam einen Nervenzusammenbruch. Wir beide – Helmut vor allem – wurden aufs Übelste beschimpft, und Zender hatte einen schweren Stand. Auch spätere Aufführungen gingen immer knapp am Skandal vorbei. Während der Aufführungen war es zwar totenstill, aber nachher ging jedesmal der Radau los. In Warschau gab es einen ungeheuren Tumult, und ich erinnere mich, wie Penderecki aufsprang und lauthals Buh schrie. Ein andermal passiert es, dass zwei gepflegte Herren, die direkt vor mir standen, wegen des Stücks sich gegenseitig beschimpften, bis der eine dem andern eine herunterhaute. Darauf bin ich sehr stolz. Ich finde, Accanto ist bis heute das revolutionärste Stück von Helmut.
  
  Wie lange zog sich diese Skandalspur von Accanto dahin?
  
  Metz 1981 war die Wende. Da wurde die Aufführung plötzlich zum Riesenerfolg. Es war wie nach einem Tschaikowsky-Konzert, die Leute riefen Bravo. Und ein paar Tage später, bei der Wiederholung des Konzerts in Paris, wurde Helmut, le grand inconnu, dort als der neue Meister inthronisiert. Seither ist das Stück ein Erfolg, und ich glaube, dass hier auch seine internationale Anerkennung einsetzte.

  
  
  Herzliche Grüße,
  
  Tharon.

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• DiOs "Giovanni" 24.01.2012 - 21:21:06

  Liebe Forianer,
  
  die meisten von Euch werden jetzt erst einmal verwundert gucken und denken: Wo kommt denn dieses Unterforum auf einmal her? Die Moderation/Administration hat sich für diese Variante entschieden, nachdem ich mich auf der Suche nach einem passenden Unterforum für diesen Thread an sie gewand hatte.
  
  Wie ein paar von Euch vielleicht wissen, habe ich letzten Sommer ein kleines Opernprojekt gebastelt und drei Mal zur Aufführung gebracht. Ich habe mir überlegt, den Privatmitschnitt der letzten Aufführung auf 'ne Videoplattform hochzuladen und das Ding hier für diejenigen, die es interessiert, per Link zur Verfügung zu stellen. Immerhin war der Don Giovanni beim Opernranking ja sehr beliebt ;-) Vielleicht mag der/die ein oder andere auch ein paar Worte dazu schreiben, was ihm gefallen hat oder was nicht (besonders interessieren mich natürlich Meinungen zum Inszenierungskonzept ...). Dabei aber gleich der Hinweis: Wir sind natürlich alle keine Profis (keiner von uns hat Gesang, Schauspiel, Regie o.ä. studiert …), sondern 'nur' passionierte Laien. Da ich z.B. darauf bestanden habe, dass wir wegen der Bühnenform (Arena-förmig mit 3 Eingängen) und der Platzierung unseres Instrumentalensembles keinen Dirigenten integrieren, sind Gesang und Musik an ein paar Stellen nicht ganz synchron, u.a. auch, weil ich die Sänger durch den ganzen Raum gehetzt habe und es teilweise sehr schwierig war, sich über Blickkontakt an den Musikern zu orientieren, so wie das Sänger im „richtigen“ Opernhaus beim Dirigenten machen können. Außerdem war es für uns alle auch das erste Mal, dass wir so etwas gemacht haben – wir haben uns einfach reingestürzt … ;-)
  
  Vielleicht noch ein paar Worte von meiner Seite zum Projekt: Giovanni ist ein Musiktheaterstück nach der Oper Don Giovanni. Ich habe viele Sachen weggelassen (es gibt z.B. keine Donna Elvira und keinen Masetto), gekürzt, umgestellt und neue Elemente eingebaut. Das Stück dauert insgesamt ca. 75 Minuten. Der Instrumentalteil wurde von einem Freund für ein Quartett (Klavier, Cello, Violine und Flöte) arrangiert. Gesungen wird auf Italienisch (bis auf eine Nummer), die Zwischendialoge sind Deutsch. Das Stück ist in 6 Teile gegliedert: Prolog, 4 Szenen und Finale. Im Hinblick auf eine brauchbare Videoqualität habe ich die Teile auch einzeln hochgeladen und nicht das Stück als Ganzes.
  
  Das Video ist ein Privatmitschnitt, der mit einer statischen und einer aktiven Kamera gemacht wurde. Es liegt in der Natur der Sache, dass nicht alles (genau) erfasst werden konnte, was sich während der Aufführung abgespielt hat. Gerne erläutere ich bei Bedarf noch einige Sachen …
  
  Hier also der Link: "http://vimeo.com/album/1800534"
  
  So, viel Spaß!
  
  Als nächstes Projekt gibt’s vielleicht den Abu Hassan von Carl Maria von Weber. Den könnte man wegen der Kürze auch ganz machen … mal sehen, was wird!
  
  DiO

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• Humpert, Hans Ulrich: Pionier der elektronischen Musik 24.01.2012 - 01:21:00

  Der Betreff klingt so, als ob ich Ahnung hätte. Ist aber vom Wikipedia-Artikel geklaut. Warum dennoch der Thread: Seine Musik hat mich überzeugt.
  
  Es war 1997, Bundesgartenschau Gelsenkirchen, auf dem Gelände der ehemaligen Zeche Nordstern. Hans Ulrich Humpert lieferte die Musik zu mehreren Installationen, das Ganze nannte sich kunstklangraum. Als Ingenieur im Anlagenbau hat mich das von Anfang an angesprochen. Ich kaufte das Buch samt CD:
  
  Hans Ulrich Humpert: Von den Steinen, die brennen
  
  Zu beziehen wäre sie hier:
  http://www.discogs.com/Hans-Ulrich-Humpert-Kunstklangraum-Zeche-Nordstern-Von-Den-Steinen-Die-Brennen/release/555215
  
  Leider ohne Hörbeispiele.
  
  Auf mich hat der Besuch dieser Installationen einen bleibenden Eindruck hinterlassen, und die Musik höre ich bis heute noch gern. Elektronisch, abstrakt, und doch verständlich, wenn man einen Bezug dazu herstellen kann. Fazit: Kunst muss einen erreichen. Auf welchem Weg auch immer.
  
  Gerade sehe ich: Das Buch samt CD gibt es sogar bei Amazon. Suche nach 3893223282. Kostet stolze 3,79 Euro. Zu empfehlen für Freunde der elektronischen Musik oder des Ruhrgebiets.
  
  Laut Wikipedia gilt Humpert neben Karlheinz Stockhausen als einer der Pioniere der elektronischen Musik. Geboren 1940 und leider schon 2010 gestorben. Ein Nachruf findet sich hier.
  
  Kennt jemand diesen Komponisten oder seine Musik?
  
  
  Thomas

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• Brahms: Streichquartett B-Dur op. 67 23.01.2012 - 20:31:25

  Auf Wunsch in einen eigenen Thread kopiert
  Michel
  
  
  
  Brahms: Streichquartett op. 67
  ABQ
  
  Ich versuch's immer mal wieder mit op. 67. Eigentlich ein tolles Werk mit ziemlich schrägen Stellen. Aber ob ich das jemals mögen werde wie andere Brahms-Kammermusik
  
  
  Viele Grüße
  
  Bernd

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