Capriccio Forum für klassische Musik

Capriccio Forum für klassische Musik

• "Tödlicher Genuß" Tanztheater Staatstheater Darmstadt 24.05.2013 - 22:46:29

  "Tödlicher Genuss
  
  Tanzkrimi von Mei Hong Lin | Uraufführung
  
  Ein Mann, der das Essen liebt und ein wahrer Feinschmecker ist, führt
  ein Doppelleben. Er lässt er sich gleichzeitig von zwei Frauen bekochen
  und genießt das heimliche Hin- und Herpendeln zwischen Ehefrau und
  Geliebter. Als die Ehefrau herausfindet, dass ihr Göttergatte Küche und
  Bett nicht nur mit ihr teilt, schmiedet sie einen teuflischen Plan und
  macht die ahnungslose Geliebte zur Mittäterin in einem perfiden
  Rachefeldzug.
  
  In Mei Hong Lins neuem Tanzstück Tödlicher Genuss mit
  Live-Musik von Michael Erhard wird die Küche zum Schauplatz eines
  Beziehungsthrillers. Es ist ein als in zwei Teilen konzipierter
  kulinarischer Krimi, der mit schmackhaften Zutaten wie Erotik, Verrat,
  Eifersucht und Rache gewürzt ist. Der erste Teil Tödlicher Genuss ist
  ein in sich geschlossener Tanztheaterabend, der die Dreiecksgeschichte
  aus der Sicht der Geliebten erzählt."
  
  
  Leitungsteam
  
  Choreografie | Inszenierung Mei Hong Lin
  Musik Michael Erhard
  Bühne Dirk Hofacker
  Kostüme Bjanka Ursulov
  
  Ensemble
  
  Sven Gettkant (Mann), Andressa Miyazato (Ehefrau), Mireia González Fernández (Geliebte), Celedonio Indalecio Moreno Fuentes (Der Tod), Christian Dupont (Koch) sowie in wechselnden Rollen: Rie Akiyama, Lee Bamford, Christopher Basile, Damián Cortes Alberti, Julio Andrés Escudero, Wout Geers, Nuria Gimenez Villarroya, Sabra Johnson, Trung Pham Bao, Geoffroy Poplawski, Pavel Povrazník, Sabine Prokop, Ana Sánchez Martínez, Laura Witzleben
  
  Musiker
  
  Michael Erhard (Tasteninstrumente), Jens Hunstein | Stephan Völker (Saxophon, Klarinette, Querflöte), [b]Dieter Kociemba [/b](Gitarre), Wolfgang Ritter | Christian Spohn (Bass), Robert Strobel | Max Sonnabend (Perkussion)
  
  
  Ich war heute in der Premiére des oben genannten Stückes und kann nur sagen: REINGEHEN!!
  Ein emotional sehr bewegendes Tanztheater mit fantastischen Körperbildern und dazu eine mehr als passend arrangierte Musik, welche live gespielt wird. Insbesondere Andressa Miyazato überzeugt durch ihren emotionalen Ausdruck und hat mich manches mal die Augen abwenden lassen, weil ihr Intensität fast schon unerträglich war. Chapeau!! Die Ausdrucksfähigkeit und Kraft der ganzen Tanztruppe hatte mich vom ersten Augenblick an gefangen genommen.
  Es wirkt zunächst sehr modern und abstrakt, doch nach wenigen Minuten erschliessen sich einem die getanzten Bilder und ich war fasziniert davon, dass man auch im Tanz mit solch starken Metaphern arbeiten kann, wie ich sie sonst nur aus der Literatur kannte.
  Es wird eine Geschichte erzählt, in der die Hauptakteurin (Andressa Miyazato) die emotionale Innenschau verkörpert, während in auf der Bühne parallel dargestellten Tanzbildern die äussere Handlung klar dargelegt wird.
  Der Tod (ein Tänzer in einem anfänglich schwarzem Anzug, später nur noch mit einer schwarzen Hose mit Hosenträgern) greift immer wieder handlungsführend ein. Es werden viele Tierparabeln bemüht, welche die Gesamtmetaphorik abrunden. Gegen Ende findet ein kunterbunter Technotanz statt, den viele sehr erheiternd fanden, ich empfand ihn jedoch als Darstellung des Realitätsverlustes der Hauptakteurin und konnte nicht lachen. Vielleicht kann mir ja der eine oder andere nach Besuch des Stückes seine Sichtweise dieses Szenenabschnittes erzählen. Apropos, es gab viel Redebedarf danach, da jeder andere Bilder als sehr tief empfand und so viele Details vorhanden waren, daß sie oftmals unterschiedlich wahrgenommen wurden.
  
  Ich liebäugle damit, mir dieses Stück nochmal anzusehen, damit ich selber alle Details entdecken kann...
  
  LG Lotte
  
  P.S. die obige Beschreibung des Stückes, entnommen aus der Homepage des Staatstheaters Darmstadt, wird ihm meines Erachtens in keiner Weise gerecht. Nachdem ich das durchgelesen hatte, hätte ich nie und nimmer das eben Dargebotene erwartet...

  ---

• Rollengestaltung beim Singen 24.05.2013 - 22:34:43

  Hallo!
  
  Ich weiß nicht, ob mein Thema in diesen Bereich passt, weil ja nicht nur in der Oper gesungen wird, aber ich probiers einfach mal.
  
  
  Meine Frage hört sich wahrscheinlich sehr simpel an, aber für mich als Laien wäre es doch ganz interessant, mehr darüber zu erfahren.
  
  Es geht um die Rollengestaltung, wenn man eine Partie singt. Das kann in der Oper sein, aber auch im Oratorium, oder auch bei Liedern.
  
  Beim Theater hat man dabei doch mehr Freiheiten, weil man seinen Text auf unterschiedliche Weise sagen kann. Langsamer, schneller, mit unterschiedlicher Stimmlage usw.
  Beim Gesang aber muss man sich doch an die Noten, also den Rhythmus und die Tonhöhe, halten.
  
  Meine Frage wäre nun, wie gestaltet man als professionelle(r) SängerIn eine Rolle, wenn man dabei an die Noten gebunden ist? Wie bereitet man sich auf sowas vor, und integriert es dann in den Gesang? Rollenstudium?
  Anders gefragt: Wie kann ein Sänger mit derartigen Vorgaben noch eine Rolle gestalten? Werden diese Vorgaben als einengend empfunden?
  
  Wenn z.B. ein Schauspieler eine Rolle bekommt, und er meint, dass diese Rolle aus irgendeinem Grund langsamer sprechen müsste, dann geht das im Prinzip auch ohne Probleme.
  Bei einem Sänger ist das aber sicher problematischer, weil er sich ja an die Geschwindigkeit des Stückes halten muss, und an seine Noten.
  
  Präziser kann ich meine Frage leider nicht formulieren

  ---

• Wolfgang Amadé Mozart: Symphonie Nr. 45 D-Dur KV 95/73n 24.05.2013 - 14:12:00

  Da gibt es also Kunstwerke in der Musikgeschichte, bei denen es der Forschung auch in fast 250 Jahren nicht gelang, die Urheberschaft zweifelsfrei zu klären. So findet man etwa diese bei Nikolaus Harnoncourt etwa zwölfeinhalb Minuten kurze viersätzige Symphonie Nr. 45 D-Dur KV 95/73n als nur möglicherweise 1770 von Wolfgang Amadeus Mozart komponiert vor.
  
  Was erst nach Veröffentlichung der Mozart-Ausgabe (1879-1882) entdeckt wurde, schloss sich an die Nummerierung (dort bis 41) an, egal wann es komponiert wurde, daher reihte sich dieses Werk als 45. Symphonie ein.
  
  Historisches und eine detaillierte Werkeinführung kann man bei wikipedia lesen.
  "http://de.wikipedia.org/wiki/Sinfonie_KV_95_%28Mozart%29"
  
  Ich finde es lohnt, zumindest einmal im Leben alle Mozart Symphonien, auch die frühen und nicht gesicherten, gehört zu haben. Was mir beim Entdecken dieser Musik in den Sinn kam:
  
  Der kürzeste Satz ist der quirlige erste, ein Allegro. Er lebt von den Kontrasten Laut-Leise, so könnte eine Theaterouvertüre anheben, das weckt die Leute auf, schärft ihren Sinn fürs genaue Zuhören.
  
  Das galant-farbige, wunderbar schlichte Andante des zweiten Satzes, direkt daran anschließend, hat schon einen eigenen Zauber. Zwei Flöten, nur hier (statt der Oboen) zu hören, „zaubern“ besonders. Die beiden Abschnitte des Satzes werden wiederholt.
  
  Das Menuetto ist festlich, das Trio hingegen steht in Moll und gibt sich verhaltener. (Es gibt aus dieser Zeit – Mozart war großteils in Italien – auch dreisätzige Symphonien Mozarts, möglicherweise wurde dieser Satz nachkomponiert.)
  
  Und beim abermals festlicheren Allegro-Finale können wie schon im zweiten Satz die beiden Abschnitte wiederholt werden.
  
  Es ist sehr unmittelbare Musik (zu äußerlich und plakativ für Mozart?), etwa für den Einsatz als Schauspielmusik damals sicher fabelhaft geeignet gewesen.
  
  
  
  Nikolaus Harnoncourt und der Concentus Musicus Wien (7 CD Box Sony/BMG deutsche harmonia mundi 82876892682) reißen die Musik, eingespielt im Dezember 1997 im Kasino Zögernitz in Wien, schön lebendig und kontrastiv auf. Für mich gilt: Schön, sie auch einmal gehört zu haben.
  
  Wer zu ihr etwas schreiben möchte - hier ist der Thread dafür.

  ---

• Brahms: Klarinettenquintett h-moll op. 115 23.05.2013 - 22:23:19

  Im Dezember 1890 teilte Brahms seinem Verleger Simrock mit, dass er sein kompositorisches Schaffen mit dem Streichquintett G-Dur op. 111 abgeschlossen hätte. Es sollte anders kommen: Im nächsten März lud Herzog Georg II. von Sachsen-Meiningen den Komponisten zu sich ein. Dort angekommen, hörte jener unter anderem ein Klarinettenkonzert von Carl Maria von Weber mit dem Solisten Richard Mühlfeld. Dessen vielfach gerühmte Fähigkeiten nahmen Brahms sogleich gefangen: das virtuose Spiel, die zahllosen Schattierungen und Nuancen, aber wohl auch der dunkle, leicht melancholische Klang des Instruments inspirierten den Wahlruheständler. Nachdem er noch das Klarinettenquintett Mozarts mit Mühlfeld erlebt hatte, trat der Komponist in engeren Kontakt mit dem Virtuosen und ließ sich einiges zur Spieltechnik des Instrumentes erklären.
  
  Als Brahms dann von Meiningen über Wien nach Bad Ischl gefahren war, komponierte er das Trio für Klarinette, Violoncello und Klavier op. 114 sowie das Klarinettenquintett op. 115. Letzteres ist wie bei Wolfgang Amadé Mozart und bei Carl Maria von Weber für Klarinette und Streichquartett, also 1. Violine, 2. Violine, Bratsche und Violoncello komponiert. Die Sätze sind wie folgt überschrieben:
  
  I. Allegro (h-moll, 6/8)
  II. Adagio (H-Dur, ¾; Mittelteil in h-moll)
  III. Andantino (D-Dur, 4/4) – Presto non assai, ma con sentimento (h-moll/D-Dur, 2/4)
  IV. Con moto (h-moll, 2/4)
  
  Als Herzstück des Werkes kann das Adagio gelten, in dessen Mittelteil sich die Klarinette solistisch vom Ensemble abhebt und quasi rhapsodisch alle Register des Blasinstrumentes vorführt. Dieser Satz musste bei der Uraufführung des Werkes bis zur völligen Erschöpfung von Richard Mühlfeld mehrfach wiederholt werden.
  
  Die beiden letzten Sätze mögen im Vergleich zu den ersten beiden eher leichtgewichtig wirken. Immerhin greift Brahms am Ende des letzten Satzes den Beginn des Kopfsatzes wieder auf und rundet das Werk somit zyklisch ab.
  
  Anhand der folgenden Aufnahmen möchte ich die Form analysieren:
  
  Die erste mit Karl Leister und dem Amadeus-Quartett ist derzeit in mindestens zwei Ausgaben erhältlich: zum einen als günstige Einzel-CD, in naheliegender Weise gekoppelt mit dem Gattungsbeitrag Mozarts, zum anderen in einer umfassenden Box mit den Streichquartetten sowie allen Quintetten (Streich -, Klavier-, Klarinetten-,), den Streichsextetten und dem Klarinettentrio von Johannes Brahms:
  
  
  
  Ferner eine sehr preisgünstige Aufnahme mit dem französischen Klarinettisten Michel Portal und dem Melos-Quartett, gekoppelt mit Brahms‘ Streichquintett Nr. 2 G-Dur op. 111:
  
  
  
  Schließlich eine Live-Aufnahme aus dem Mozartsaal des Wiener Konzerthauses mit Sabine Meyer und dem Alban-Berg-Quartett, ebenfalls gekoppelt mit op. 111:
  
  

  ---

• Taktart X 23.05.2013 - 19:29:36

  ...wäre auch ein guter Titel für einen Science-Fiction-Film. Und darum geht es letzten Endes auch: Ich bin in Besitz einer Partitur mit Auszügen aus John Williams' Musik zu "Unheimliche Begegnung der dritten Art". Diese beginnt doch tatsächlich mit einem großen "X" statt der Angabe einer Taktart (nach drei "Takten" geht es dann in den 4/4). Vor dem zweiten, dritten und vierten Takt steht "c. 7"", "c. 14"" und "c. 21"" (was zweifellos eine Sekundenanzahl angeben soll). Nun meine Frage: Wieso gibt man da nicht einfach eine Taktart an? Ein ähnlicher Fall existiert bei "Sieben Jahre in Tibet", da wird ein Stück mit einem Cellosolo eröffnet, und es steht gleichfalls "X" da.
  
  

  ---

• Wie wünsche ich mir das Konzertleben der Zukunft? 23.05.2013 - 12:01:22

  motiviert durch:
  

  Zitat von »El Duderino«

  Dass das heutige Konzertleben ein überaltertes und hoffentlich demnächst aussterbendes Gebilde ist, heißt ja nicht, dass es das vor hundert oder gar zweihundert Jahren auch schon war. Aus "Die Erfindung des Musik Hörens" von Gerhard Schulze:
  

  Zitat

  Im späten 17. Jahrhundert wird aus Amsterdam von Gasthäusern berichtet, so genannten Musikherbergen, in denen die Gäste verpflichtet waren, ein Musikstück vorzutragen. Zur selben Zeit entstanden in Deutschland bürgerliche und studentische Zirkel, die öffentlich musizierten. Johann Sebastian Bach trat in Kaffehäusern mit einem musikalischen "Collegium" auf, das Georg Philipp Telemann 1702 in Leipzig gegründet hatte. Zehn Jahre später luden Gastwirte in London wöchentlich zu Konzerten ein.
  Profaner hätte der Platz also nicht sein können, von dem einen neue Form des Musikhörens in Europa ihren Ausgang nahm - es war die Kneipe. Kein Wunder freilich: Die Kneipe war der Bezirk von jedermann, sie war der Platz des erwachenden bürgerlichen Selbstbewusstseins.

  
  

  ---

• Marc-André Hamelin 22.05.2013 - 17:54:18

  Guten Tag,
  
  ich bin nicht besonders gut darin, ein neues Thema zu eröffnen. Gleichwohl möchte ich gerne auf einen meiner Lieblingspianisten, den Kanadier Marc-André Hamelin verweisen. Ich finde es schon erstaunlich, dass ihm anscheinend in diesem Forum noch keine größere Aufmerksamkeit gewidmet wurde.
  
  Zu seiner Biographie und er bisher schon recht umfangreichen Diskographie verweise ich auf seine Homepage:
  
  "http://www.marcandrehamelin.com/"
  
  Bekannt wurde er wohl durch sein hochvirtuoses Repertoire, dass er bewußt abseits der "Schlachtrösser" suchte. Viele Komponisten waren mir bis zu seinen Aufnahmen völlig unbekannt. Erst in den letzten Jahren widmet er sich auch den bekannteren Werken von Chopin, Schumann und vor allem mit insgesamt bisher vier CDs dem Klavierwerk Haydns. Seine letzte CD mit drei Klavierkonzerten dieses Komponisten gefiel mir ausgesprochen gut, wobei ich einschränkend sagen muss, dass mir mangels Vergleichsmöglichkeit eine genaue Beurteilung der Qualität schwer fällt.
  
  
  
  Ich persönlich finde seine Aufnahme der Bearbeitungen der Etudés von Chopin durch Godowsky ausgesprochen gut:
  
  
  
  Ein sehr gelungener Streifzug durch die Randbereiche zwischen klassischer und "jazziger" Klaviermusik ist seine CD "In a State of Jazz"
  
  
  
  Ich könnte jetzt hier noch lange so weiter machen und CD um CD nennen, die ich immer wieder gerne höre, darunter Aufnahmen mit den Werken von Alkan oder Kapustin. Nur eine meiner letzten Erwerbungen will ich noch nennen und das ist seine Einspielung des großartigen Werkes von Rzewski "The people united ..."
  
  
  
  VG Bernd

  ---

• Brahms: Vier ernste Gesänge, op. 121 22.05.2013 - 15:16:10

  Zitat

  Max Klinger zugeeignet
  Vier ernste Gesänge für eine Bassstimme mit Begleitung des Pianoforte
  von Johannes Brahms
  
  1. (Prediger Salomo, Cap. 3.)
  
  Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh, wie dies stirbt, so stirbt er auch; und haben alle einerlei Odem; und der Mensch hat nichts mehr denn das Vieh: denn es ist alles eitel, denn es ist alles eitel.
  Es fährt alles an einen Ort; es ist alles von Staub gemacht, und wird wieder zu Staub.
  Wer weiss, ob der Geist des Menschen aufwärts fahre, und der Odem des Viehes unterwärts unter die Erde fahre?
  Darum sahe ich, dass nichts bessers ist, denn dass der Mensch fröhlich sei in seiner Arbeit; denn das ist sein Theil.
  Denn wer will ihn dahin bringen, dass er sehe, was nach ihm geschehen wird?
  
  2. (Prediger Salomo, Cap. 4.)
  
  Ich wandte mich und sahe an alle, die Unrecht leiden unter der Sonne; und siehe, siehe, da waren Thränen derer, die Unrecht litten und hatten keinen Tröster, und die ihnen Unrecht thäten, waren zu mächtig, dass sie keinen Tröster haben konnten.
  Da lobte ich die Todten, die schon gestorben waren mehr als die Lebendigen, die noch das Leben hatten; und der noch nicht ist, ist besser als alle Beide, und des Bösen nicht inne wird, das unter der Sonne geschieht.
  
  3. (Jesus Sirach, Cap. 41.)
  
  O Tod, wie bitter bist du, wenn an dich gedenket ein Mensch der gute Tage und genug hat und ohne Sorge lebet; und dem es wohl geht in allen Dingen und noch wohl essen mag! O Tod, wie bitter bist du.
  O Tod, wie wohl thust du dem Dürftigen, der da schwach und alt ist, der in allen Sorgen steckt, und nichts Bessers zu hoffen, noch zu erwarten hat!
  
  4. (S. Pauli an die Corinther I., Cap. 13.)
  
  Wenn ich mit Menschen- und mit Engelszungen redete, und hätte der Liebe nicht, so wär ich ein tönend Erz, oder eine klingende Schelle.
  Und wenn ich weissagen könnte und wüsste alle Geheimnisse und alle Erkenntniss, und hätte allen Glauben, also, dass ich Berge versetzte; und hätte der Liebe nicht, so wäre ich nichts.
  Und wenn ich alle meine Habe den Armen gäbe, und liesse meinen Leib brennen; und hätte der Liebe nicht, so wäre mir's nichts nütze.
  Wir sehen jetzt durch einen Spiegel in einem dunkeln Worte, dann aber von Angesicht zu Angesichte.
  Jetzt erkenne ich's stückweise, dann aber werd ich's erkennen, gleichwie ich erkennet bin.
  Nun aber bleibet Glaube, Hoffnung, Liebe, diese drei; aber die Liebe ist die grösseste unter ihnen.

  
  1896, ein Jahr vor seinem Tod, komponierte und veröffentlichte Johannes Brahms seine letzte Sammlung von Liedern. Insgesamt 32 dieser Sammlungen sind unter Opuszahlen zusammengefaßt, die meisten als "Bouket" (Brahms) und nur zwei als eng zusammenhängender Zyklus, neben den Romanzen op. 33 (Die schöne Magelone) noch die Vier ernsten Gesänge.
  
  Es ist ein eigenartiges Werk, zwar harmonisch reich, aber auch mit einem achaisierenden Gesang, der sich vom Ton der vielen Lieder deutlich unterscheidet.
  
  Zur Musik nur ein paar karge Anmerkungen (es würde mich freuen, wenn andere das noch ergänzen würden): Der erste Gesang ("Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh", Andante, d-moll) ist durchgehend in düsterem Moll gehalten, mit zwei schmerzhaft auffahrenden Allegro-Phasen, womit es auch endet.
  
  Zurückhaltender der zweite Gesang ("Ich wandte mich und sahe an", Andante, g-moll), der sich erst ganz am Schluß etwas zu G-dur aufhellt.
  
  Der dritte Gesang ("O Tod, wie bitter bist du", Grave, e-moll) knüpft auch motivisch, mit dem fallenden Molldreiklang, an das Vorhergehende an, verstärkt zunächst die schmerzerfüllte Stimmung und wird zuversichtlicher (E-dur), sobald von der tröstlichen Seite des Todes die Rede ist.
  
  Einen deutlichen Kontrast setzt der letzte Gesang ("Wenn ich mit Menschen- und mit Engelszungen redete", Con moto ed anima, Es-dur) und schließt, nach einem Andante-Zwischenteil, mit einer Lobpreisung der Liebe (Sostenuto un poco).
  
  Alle vier Gesänge scheinen in der thematischen Gestaltung genau aufeinander bezogen zu sein; auffällig ist auch die allmähliche, sich von Gesang zu Gesang verstärkende Aufhellung von Moll zu Dur.
  
  Zum Text: Brahms stellt hier vier Bibelzitate zusammen, die eine recht eigene religiöse Sichtweise offenbaren. Christliche Heilsgewißheit scheint weit entfernt, wird ernsthaft in Frage gestellt ("Wer weiss, ob der Geist des Menschen aufwärts fahre, und der Odem des Viehes unterwärts unter die Erde fahre?"); es bleibt lediglich die Einsicht, "dass nichts bessers ist, denn dass der Mensch fröhlich sei in seiner Arbeit; denn das ist sein Theil", wobei die Musik an dieser Stelle in keiner Weise "fröhlich" klingt, eher sehnsuchtsvoll, mit etwas Hoffnung vielleicht. Trost ist nicht in Sicht ("und hatten keinen Tröster"), die Toten sind besser dran als die Lebenden, ein Pessimismus, der kaum noch zu steigern ist. Linderung verheißt nur die Anrufung "O Tod, wie wohl thust du dem Dürftigen". Erst die Liebe, "die grösseste" gegenüber Glaube und Hoffnung, bietet am Ende eine frohere Perspektive, aber auch dies wird in dieser Stelle aus dem Korintherbrief (übrigens meine Lieblingsstelle aus der Bibel, das nur nebenbei) überwiegend in der Negation beschrieben ("hätte der Liebe nicht"). Per aspera ad astra? Oder eher ein von Pessimismus durchtränktes ästehetisch-religiöses Testament, fernab der Erlösungsphantasien Richard Wagners, wie sie etwa im Parsifal aufscheinen?
  
  Brahms selbst hatte sein op. 121 als "ganz gottlose Lieder" bezeichnet, deren Texte aber "Gott sei Dank in der Bibel" stünden. Auch wenn der Komponist dazu neigte, sich nach außen gelegentlich atheistisch zu geben (vielleicht als Provokation gegen die in den 1890ern in Wien aufkommenden Christsozialen mit ihren klerikalen, antisemitischen Tendenzen, wodurch die Liberalen, denen Brahms zugerechnet wurde, ins Abseits gedrückt wurden) - diese Äußerung kann man wohl ernstnehmen, denn von der orthodoxen christlichen Lehre ist in den Vier ernsten Gesängen nicht viel übrig.
  
  Neben religiös-politischer Enttäuschung hatte Brahms auch persönliche Rückschläge zu verkraften, so den Tod langjähriger Freundinnen und Freunde, etwa Theodor Billroth und Elisabeth von Herzogenburg und, besonders schlimm, den Tod Clara Schumanns im Mai 1896, zu ebender Zeit, als er sein Opus 121 vollendete. In derselben Zeit machte sich auch die schwere Krankheit bemerkbar, an der der Komponist ein knappes Jahr später sterben sollte.
  
  Soweit fürs erste. Zu diskutieren wären weitere Aspekte des Werks und natürlich auch die vielen Einspielungen, die der Markt bereithält.
  
  --
  Quellen:
  Peter Jost: Lieder und Gesänge. In: Wolfgang Sandberger (Hrsg.): Brahms Handbuch. Stuttgart/Kassel 2009. S. 254f.
  Noten: N. Simrock Berlin, 1896 ("http://javanese.imslp.info/files/imglnks/usimg/7/7a/IMSLP23165-PMLP52920-BraWV__S._485f.pdf")
  
  
  

  ---

• Musical-Radar 2013/14 22.05.2013 - 15:08:32

  Analog zum "Operetten-Radar": Da an den Opernhäusern ja nur selten Musicals im Programm sind, soll dieser Faden einen Überblick verschaffen, wo und wann in der nächsten Spielzeit Musicals an Opernhäusern laufen. In gewisser Weise doppelt sich das zwar mit dem Thread für die Spielzeitvorschau für die Opernhäuser, ist aber vielleicht gerade in seiner konzentrierteren Form für Fans des Genres ganz interessant.
  
  Staatstheater Nürnberg:
  
  Premiere: 02. November 2013
  "Funny Girl" - Jule Styne
  ML: Jürgen Grimm / Gábor Káli I: Stefan Huber
  
  
  Mainfrankentheater Würzburg:
  
  Premiere: 08. November 2013
  "Sunset Boulevard" - Andrew Lloyd Webber
  ML: Andrea Sanguineti I: Ivan Alboresi
  
  DiO

  ---

• Johannes Brahms: "Aber abseits, wer ist's?" 22.05.2013 - 13:24:21

  Seit einigen Wochen beschäftige ich mich intensiv mit der Musik Johannes Brahms', hörend und auch lesend, und das veranlaßt mich, heute einen Faden zum Komponisten allgemein anzuspinnen.
  
  Über meine starke Affinität zu Brahms wundere ich mich selbst ein wenig, denn er gehörte zwar immer (sprich: seit ca. 40 Jahren) zur Schar meiner Favoriten, aber nicht immer in meine erste Reihe, ja, es gab Zeiten, in denen mein Verhältnis zu seiner Musik ziemlich abgekühlt war.
  
  Der Reihe nach: Als ich begann, mich für klassische Musik zu erwärmen, zogen mich vor allem Symphonien und Konzerte aus der klassisch-romantischen Zeit an, also auch Brahms. Obwohl mir dessen Hang zur Melancholie durchaus gefiel, waren mir bald Beethoven, Bruckner und Mahler näher, deren Symphonien mir bunter und weniger grau erschienen. Die Haltung, daß Brahms langweilig sei, verstärkte sich, als ich begeisterter Wagnerianer wurde. Während ich beim Bayreuther Meister so etwas wie echte Ekstase und Tiefe herauszuhören glaubte, erschienen mir die Gefühlswelten in Brahms' Symphonien unecht und künstlich aufgebauscht, wie ein "Sturm im Wasserglas".
  
  Eine Zeitlang versuchte ich mich an der Klarinette, hatte auch Unterricht, doch auch das brachte mir etwa die späte Kammermusik mit Klarinette nicht so recht näher.
  
  Das änderte sich, als mich ein Freund vor etwa 20 Jahren fragte, ob ich nicht Lust hätte, an einem Chorprojekt teilzunehmen. Ich hatte da noch nie gesungen, und das Werk, um das es ging, war kein geringeres als Ein deutsches Requiem. Keine Frage, daß ich da sängerisch deutlich überfordert war. Immerhin: Ich konnte Noten lesen und genoß es, ein Werk, das mir durch eine Schallplatte bekannt war (Klemperer) sozusagen von innen kennenzulernen: Ich war erstaunt, wie die Stimmen ineinander verwoben sind, wie eines ins andere greift und es eigentlich kein reines Füllmaterial dort gibt, weil jede Stimme ihren eigenen Wert hat (wie ich es später auch bei Bach fand).
  
  Dieses Ineinander, die komplexe Art, wie Melodik, Harmonik und Rhythmik miteinander verarbeitet sind, fand ich durchaus ansprechend. Im Gesangsunterricht beschäftigte ich mich später mit ein paar Brahms-Liedern (Soll sich der Mond nicht heller scheinen, Sapphische Ode, Mainacht). Die lagen mir von der Stimmung her und ich versuchte mich gern daran.
  
  Eine besondere Intialzündung gab es nicht, aber vor einem Vierteljahr fielen mir die Symphonie-Einspielungen mit Norrington (London Classical Players und RSO Stuttgart) in die Hände und es gab etwas, das mir Brahms wieder näher brachte. In den letzten Wochen kamen neue Aufnahmen dazu, viel Kammermusik vor allem, aber aktuell rücken auch die Lieder in meinen Fokus.
  
  Was mich aktuell begeistert, ist nicht leicht zu beschreiben: Zum einen ist da etwas, was ich als typisch Brahmssche Melancholie wahrnehme, und die ist mir zur Zeit wieder sehr nah. Es ist eine Haltung, die sich deutlich von depressiven Haltungen unterscheidet, denn Brahms' Musik scheint zwar immer wieder zur Resignation zu neigen (z. B. Intermezzi op. 117, Klarinettenquintett), aber es bricht oft am Ende so etwas wie ein machtvoller Trotz durch (Klavierstücke op. 119, 4. Symphonie), und es gibt, besonders in den Liedern, auch ganz andere, optimistischere Stimmungen.
  
  Das ist die eine Seite. Den Ausschlag für meine Affinität zu Brahms gibt aber etwas, daß ich an der Stringenz, der Logik festmachen würde, das sich bei Brahms oft findet: sein Hang, bis ins Letzte durchzukonstruieren, jede Einzelheit in ein notwendig erscheinendes Ganzes einzubauen, wie ich es vorher bei Beethoven und nachher erst wieder bei Schönberg finde.
  
  Indem Brahms sich an Beethovens Symphonik orientiert (wobei er sich damit schwer genug getan hat, man beachte den langwierigen und mühsamen Entstehungsprozeß der 1. Symphonie), nimmt er - jetzt etwas philosophisch-ästhetische Spekulation, vielleicht zu plakativ? - auch den Glauben auf, daß mit Mitteln von Rationalität und Vernunft eine "richtige" Welt geschaffen wird (vgl. Beethovens 5. und 9., aber auch seine 6. Symphonie). Das aber gerät bei Brahms überwiegend in das Fahrwasser des Pessimismus: Wer kann etwa nach dem Ende der 4. Symphonie daran glauben, daß am Ende "alles gut" werde?
  
  Womit ich am Ende meiner Betrachtungen bin (von denen ich nicht weiß, inwiefern ich damit Interessantes zu Brahms zu sagen habe). Die berühmte Frage "Aimez-vous Brahms?" (den Film kenne ich übrigens nicht) beantworte ich heute eindeutig mit "Oui!" Es ist die eigenartige Verschmelzung von komplexer musikalischer Form einerseits und starkem persönlichen Ausdruck andererseits, die mich besonders fasziniert und die dem Werk Brahms' ein ganz besonderes und unverwechselbares Gesicht verleiht.
  
  Fragen in die Runde:
  
  Wie haltet Ihr es mit Brahms' Musik? Was zieht Euch an, was befremdet? Welchen Stellenwert räumt Ihr dem Werk ein? Welche musikgeschichtliche Bedeutung kommt ihm zu? Was ist das Besondere seiner Musik?
  
  
  
  PS: Die im Titel zitierte Frage ("Aber abseits, wer ist's?") stammt von Goethe und leitet die Alt-Rhapsodie op. 53 ein.

  ---